Pierre Lescure rend ce lundi à Aurélie Filippetti son rapport sur l'exception culturelle française. N'y a-t-il pas un paradoxe entre notre vision économique de coopération (notamment européenne) et notre volonté de protéger notre culture ?
Olivier Amiel : Non, car dans de nombreux secteurs culturels (notamment audiovisuel et cinématographique), le financement public européen est complémentaire entre les aides allouées par les États membres et celles des organismes communautaires. Cela permet de ne pas perdre sa souveraineté dans les grands choix en matière de politique publique culturelle, tout en développant une politique commune dans ce secteur. Il faut également rappeler qu’il n’y a pas de différenciation entre artistes des États membres, les aides nationales doivent respecter le principe de droit européen de « non discrimination ». Enfin, de très importants efforts sont faits par les États et par l’Union européenne en faveur de la coopération culturelle avec les pays tiers, et notamment les pays dits du Sud qui connaissent des difficultés liées à diverses acculturations et n’ont pas toujours les moyens financiers de défendre leur propre exception culturelle.
Sans connaître encore le détail des propositions qui y sont faites, il faut au contraire admettre que ce rapport vient à point nommé afin de rappeler à la Commission européenne et à certains de nos partenaires dans l’Union européenne que la France dispose avec la politique culturelle d’un consensus politique assez vaste et assez rare sur le sujet. Ainsi, et notamment dans le cadre des négociations sur le futur accord de libre échange avec les Etats-Unis, nous devons nous opposer à la volonté de se servir de la culture comme monnaie d’échange en faveur de secteurs dans lesquels nous serions plus performants. Nous sommes finalement dans la même situation qu’à l’époque des négociations du GATT et de l’OMC il y a vingt ans, quand la France, isolée au départ, a su convaincre ses partenaires européens de la nécessité de permettre un traitement dérogatoire pour les biens culturels face au système marchand mondial. Il faut répéter l’histoire, et convaincre à nouveau du bien fondé du principe de la diversité culturelle.
Jean-Michel Tobelem : Pas nécessairement, car pour coopérer sur le plan culturel il faut le faire sur la base de sa propre culture, qui doit par conséquent demeurer suffisamment forte. Or le risque est que cela ne soit pas le cas – du moins pour les formes de culture les plus exigeantes – si on s’en tient aux règles générales qui régissent l’échange de biens et de services.
Dans ce cas en effet, la liberté totale des échanges peut conduire – comme on l’a vu dans de nombreux pays – à un affaiblissement de la création artistique et de la production nationale de biens culturels. Mais cela n’exprime en aucune façon un rejet des autres cultures.
On pourrait même dire le contraire dans un pays comme la France qui se nourrit des échanges artistiques internationaux. Même dans le registre de l’action culturelle extérieure de la France, notre stratégie d’influence repose sur l’échange et la réciprocité. Notre diplomatie culturelle admet ainsi que la défense de notre culture dépend aussi de la reconnaissance de celle des autres.
Rappelons du reste que les Fonds régionaux d’art contemporains (FRAC) achètent de nombreux artistes étrangers, que les scènes de spectacle vivant accueillent de nombreux créateurs venant de différents pays et que nos écrans de cinéma présentent plus de films étrangers que dans aucun autre pays.
Cela relève chez nous d’une tradition ancienne, mais on voit bien qu’en Allemagne, par exemple, le soutien à la musique est une cause nationale. On trouve donc fréquemment en Europe un assentiment sur l’idée que la culture n’est pas un secteur comme un autre, car elle a partie liée avec l’histoire, les valeurs et l’identité d’un pays.
Il est vrai qu’à l’inverse, dans le monde anglo-saxon, la culture est plus volontiers renvoyée à la sphère individuelle privée, avec l’idée que la puissance publique devrait s’en occuper le moins possible.
Depuis quelques mois, plusieurs polémiques ont été lancées autour des subventions des jeunes auteurs par le CNC. Le système de financement du cinéma français est-il toujours adapté à notre monde moderne ? Faut-il penser à le réformer ?
Olivier Amiel : Nous avons toujours le meilleur système de financement du cinéma au monde, basé sur un « autofinancement » du secteur avec notamment une procédure astucieuse de « redistribution » des résultats réalisés par l’industrie dominante, c’est-à-dire hollywoodienne. Vouloir le saborder serait une erreur tragique. Des aménagements et des corrections sur des effets pervers de certaines aides peuvent être apportés (et ils le sont déjà fréquemment), mais dans l’ensemble il serait absurde de renoncer à notre modèle de financement public qui a permis à la cinématographie et à l’audiovisuel français de garder une place importante sur le marché mondial. C’est donc un enjeu économique, mais également et surtout de société, car le vecteur de l’image permet la transmission « de soi » pour un peuple. Le peuple français, comme tous les autres peuples du monde, ne doit pas perdre cette faculté face à une globalisation de l’image et des références sociétales. Les attaques nombreuses et souvent irrationnelles contre le CNC ne font le jeu que des libéraux de la Commission européenne et surtout des majors hollywoodiennes. En critiquant un mécanisme qui fonctionne très bien, on prend le risque inouï de favoriser encore plus un impérialisme culturel dans le domaine de l’audiovisuel.
Jean-Michel Tobelem: Ce système peut bien évidemment être amélioré. Reste que la cinématographie française est puissante et en renouvellement permanent, ce qui n’est pas le cas de tous les pays.
On peut critiquer la politique française à l’égard du cinéma, mais la réalité a montré que dans les pays qui n’ont pas souhaité soutenir leur industrie nationale, qui représente des emplois et de la création de richesses, celle-ci a en grande partie disparu.
Il convient donc de rester vigilant sur ce point, car le danger serait celui d’une homogénéisation progressive de l’offre cinématographique, avec la marginalisation des films d’auteurs ou des productions les plus exigeantes sur le plan artistique. Un équilibre doit ainsi continuer à être recherché entre succès populaires et productions qui ne pourront pas rencontrer le même type de succès public, sans que leur qualité doive pour autant être mise en cause. Reproche-t-on aux livres de grands écrivains de ne pas être des best-sellers ?
Comme on le sait, la production artistique a souvent besoin de temps pour rencontrer un vaste public. Se contenter de présenter des productions destinées à la consommation de masse, quelles que soient leurs qualités, c’est appauvrir la création artistique et l’imaginaire des individus auxquels elle est destinée. C’est limiter le rôle de l’expérimentation artistique et la place de la culture d’avant-garde. Et c’est en définitive restreindre la liberté de choix du public.
La volonté de protéger notre culture n'est-elle pas le symptôme de notre perte de rayonnement mondial ? Cette obsession de la protection de notre exception culturelle n'est-elle pas le signe de notre arrogance et de la vision passéiste de notre grandeur ?
Olivier Amiel : Si c’était le cas, tous les États du monde – et pas seulement la France – seraient « arrogants », car cette faculté de pouvoir défendre sa propre diversité culturelle est largement partagée et a même été reconnue par la « Convention sur la protection et la promotion de la diversité des expressions culturelles » de l’Unesco adoptée à l’époque, en 2005, par 148 membres sur 154 que comptait l’Organisation…
La protection de la culture ne doit pas être regardée comme un élément pour retrouver sa « grandeur passée », mais pour permettre la survie du pluralisme des cultures face à un danger réel de globalisation dans certains secteurs de celle-ci.
Jean-Michel Tobelem : On a beaucoup parlé du déclin du rayonnement culturel de la France. En tant que puissance moyenne, il est normal que la France ne soit pas (ou plus) le principal centre de création artistique et que d’autres foyers de création aient émergé ces dernières décennies, ce dont on ne peut que se réjouir. Il n’en reste pas moins que pour beaucoup d’étrangers, l’influence de la France dans le domaine des idées, des arts et de la culture reste forte ; beaucoup plus en tout état de cause que son poids économique ou démographique.
N’oublions pas qu’au Festival de Cannes, le plus important festival de cinéma au monde, nombre de films étrangers qui y sont présentés sont cofinancés par des producteurs français.
Faut-il regretter que les industries culturelles françaises soient moins présentes dans la culture de masse, dite « mainstream » ? C’est oublier que la France produit aussi de la littérature populaire, des films à succès et des artistes appréciés dans le domaine du théâtre, de la musique, du cirque, des arts numériques ou encore de la danse. Mais faut-il vraiment chercher à rivaliser avec les blockbusters hollywoodiens, sans en avoir réellement les moyens ? La France ne rayonne-t-elle pas avant tout grâce à ses penseurs, ses créateurs, ses artistes ?
Protéger la culture d’un pays est nécessaire, mais il est vrai que cela ne garantit pas obligatoirement l’existence d’une réelle diversité d’approches ou de discours. Mettre en place des quotas d’œuvres, par exemple, n’est pas synonyme de qualité et de diversité de l’offre. Là encore, il convient d’être attentif à la qualité de la production que l’on cherche à protéger.
N'est-il pas illusoire de penser que la culture peut échapper à un cadre financier ? ( avec la crise du mécénat..) ? La meilleure façon de sauver la culture n'est-elle pas de la laisser se financiariser ?
Olivier Amiel : Elle n’y échappe pas, mais certains intérêts généraux ne doivent pas être sacrifiés au nom des intérêts financiers. Je pense notamment au pluralisme des expressions artistiques, et surtout à la démocratisation de l’accès à la culture. Je cite souvent à ce sujet les mots du Député Pierre Rameil – initiateur du Théâtre populaire en 1920 – qui me semblent toujours d’actualité et valables pour l’ensemble de la culture : « L'art sous toutes ses formes, luxe de quelques-uns, cela choque déjà péniblement notre sentiment démocratique ; mais quand il s'agit de théâtre né de la foule et fait pour la foule, l'illogisme apparaît plus flagrant. Le spectacle pour une élite restreinte est déjà un non-sens ; mais si c'est la fortune qui détermine arbitrairement cette sélection, le non-sens devient parfaitement odieux ». Cela ne veut pas dire pour autant que la gratuité de la culture est la solution miracle, car le mécanisme de reproduction sociale est même aggravé si elle ne s’accompagne pas d’une politique à la base, c’est à dire à l’école, avec un système éducatif qui corrige les discriminations en matière d’initiation, de goût et d’acquis artistique.
En tout état de cause, la financiarisation dans la culture qui est inévitable peut parfois mettre à mal la diversité des arts et des publics. C’est pourquoi, il me semble normal et bien venu que les pouvoirs publics puissent réguler ce secteur au nom de l’intérêt général.
Jean-Michel Tobelem: La financiarisation des industries culturelles conduit à la massification des efforts de promotion autour de quelques produits « vedettes », alors même que la rotation des productions artistiques est de plus en plus rapide ; ce qui laisse moins de chance aux auteurs de construire une carrière dans la durée.
La recherche d’une rentabilité croissante dans le domaine des industries culturelles (films, livres, disques) conduit d’ores et déjà – malgré le phénomène de la « longue traîne » – à une concentration des ventes au détriment des œuvres moins immédiatement accessibles par le grand public, au risque d’une diminution de la diversité de la production artistique.
Aller vers davantage de financiarisation ne fera que renforcer les tendances actuelles, dans un domaine qui reste fragile du fait de l’incertitude qui pèse sur le succès de toute production culturelle, qu’il s’agisse du cinéma, de la musique ou de la littérature. Comme on peut le constater, même l’utilisation de « stars » ou le déploiement de vastes de campagnes de promotion ne constituent pas désormais des garanties de réussite.
Plutôt que de vouloir protéger la culture, ne devrait-on pas envisager de stimuler la vie intellectuelle et artistique ? Par quels moyens ?
Olivier Amiel : On ne peut stimuler que ce qui est encore vivant, donc la protection par les pouvoirs publics de la diversité des cultures reste le préalable.
Cependant, l’initiative privée est nécessaire en matière de stimulation culturelle et artistique. Je crois d’ailleurs beaucoup au mécénat « 2.0 » via les plateformes de « Crowdfunding » c’est à dire le financement participatif des internautes avec multiplication de dons même modestes. Ce mécanisme est très prometteur, surtout dans le domaine culturel, avec l’avantage de pouvoir développer les projets dits « indépendants » qui n’auraient certainement pas pu voir le jour par les modes de financement traditionnels.
Jean-Michel Tobelem : Protéger sa culture n’empêche pas d’apprécier et d’échanger avec celles des autres pays, comme rappelé précédemment. D’où l’importance des subventions publiques, mais aussi des systèmes de régulation. Par ailleurs, c’est aussi l’une des conditions d’une riche vie artistique et culturelle, comme on le voit en France avec le maillage des bibliothèques de lecture publique, le soutien à de nombreuses compagnies de danse ou encore la création de multiples salles de musiques actuelles. Reste que des efforts restent à accomplir dans le domaine de la diffusion des spectacles, d’une part ; et, d’autre part, dans celui d’une accessibilité plus grande de la population à l’art et à la culture. Enfin, l’école et l’université, mais aussi les chaînes de télévision, pourraient sans doute jouer un rôle plus important à cet égard.Stimuler la vie intellectuelle et artistique suppose aussi de conserver un réseau de libraires qui effectuent un indispensable travail de découverte et de soutien des écrivains (on sait que le réseau des disquaires indépendants a quant à lui quasiment disparu), de même qu’un ensemble de salles d’art et d’essai réparties sur l’ensemble du territoire national permet la sensibilisation des publics aux différentes formes de la création cinématographique.
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